Videojuegos. La música que desaparece.

Imagen principal con controles de videojuegos, pedal de guitarra y Xbox

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En 2021 estamos demasiado acostumbrados a presenciar la interminable lucha que sostienen por nuestra atención, todas las cosas que nos rodean.

Vas al supermercado y mientras recorres los pasillos, en silencio las marcas gritan como vendedores ambulantes en tu cabeza: “¡cómprame a mí!”. El televisor pide que lo prendas para ver el partido aunque estés trabajando, la cama reclama una siesta, la mascota pide tiempo, los niños exigen atención, y así, todo lo que ves quiere estar en el top de tus prioridades.

Pero en medio de todo, a veces te encuentras con cosas que no quieren estar en el frente de tu cabeza, sino por el contrario, estar presentes pero desaparecer en el fondo, donde tu percepción es limitada. Una de esas cosas es la música de los videojuegos.

Al principio todo eran “beeps”

La música es algo tan natural para los humanos que no es raro que queramos ponerla en todo, y los videojuegos siendo una forma de entretenimiento, no pueden ser la excepción. Pero por más obvio que sea para nosotros ahora, esto no siempre fue posible.

En 1972, cuando empezó realmente a formarse un interés masivo por los videojuegos, una compañía llamada Atari lanza “Pong”. Un intento por recrear el tenis de mesa dentro de un mundo virtual. La idea se basó en otro juego llamado “Table Tennis”, pero ese no llegó a ser tan popular.

El juego era capaz de reproducir solo tres sonidos, no música, no voces. Solo un sonido para cuando la pelota (que era un punto en la pantalla) pegaba en una raqueta (que era una línea vertical), otro cuando la pelota pegaba en los bordes de arriba o abajo, y otro para cuando la pelota tocaba uno de los laterales de la pantalla, lo que significaba una anotación.

La música se abrió paso

A pesar de las limitaciones, la necesidad de integrar melodías a los videojuegos alimentaba de motivación a los diseñadores, ingenieros y creadores, que entre chips y cables encontraron la manera de crear melodías. Después de todo, la música era necesaria por varias razones, la principal, era que podía ser una gran herramienta de marketing.

Entran al juego los “arcades” también conocidos tiernamente como “maquinitas”. Estos aparatos que eran básicamente muebles de madera con un televisor integrado, permitieron a los niños de la época del 70 y por varias décadas más, jugar videojuegos a cambio de una moneda. Cada mueble era un juego individual, con su propio diseño, configuración, gráficos llamativos pintados por fuera y para completar, música diseñada especialmente para sonar mientras no se estaba jugando, creando así, el anzuelo perfecto para pescar la atención y las monedas de niños y jóvenes con poco control sobre sus impulsos.

Estas máquinas tenían espacio de sobra para agregar piezas de tecnología innovadoras, como un chip dedicado para traducir código de computadoras en notas musicales. Dando origen a un nuevo género musical conocido como Chiptune o Chip Music, donde la música es producida usando ese mismo chip, y aunque nunca fue demasiado popular, abrió las puertas a una mayor exploración de la música electrónica.

En los 80 mejoraron las cosas

La tecnología avanzó, los arcades se fueron quedando y las consolas de videojuegos, que permitían a los niños jugar en casa ilimitadamente, se popularizaron.

Avanzábamos en la dirección correcta para lograr poner la música como un elemento esencial de la experiencia. Pero aún no se desbloqueaba el último nivel del juego de la historia, donde aparecen las bandas y orquestas sinfónicas como recompensa por ser el héroe o heroína. Todavía había que vencer al monstruo de siete cabezas de los videojuegos, los formatos análogos de audio.

En este punto de la historia escuchábamos nuestras canciones en cassettes, una tecnología que de por sí ya era bastante aparatosa y mecánica, usarlos era una opción costosa y poco práctica para los videojuegos que buscaban digitalizar todo.

Nintendo dio el siguiente paso tecnológico

Entonces, en 1985 llega a América la NES, conocida más comúnmente como Nintendo. Esta nueva consola dominó el mercado, instalándose en la cultura global como un elemento inolvidable y trascendental en la vida de toda una generación. Este fue el origen de la queja clásica de los padres: “los chicos ya no salen a jugar”.

Las consolas venían implementando la tecnología que permitía crear notas musicales sintetizadas, generando ese sonido de “pianito viejo con lucecitas” que muchos tuvimos de niños. Pero aunque ya no estaban limitados a tres sonidos, Nintendo solo podía generar tres notas simultáneas, así que tuvieron que ingeniárselas para crear la ilusión de una pieza musical completa con muchas más notas sonando a la vez.

La cuestión pop

Fue durante esos primeros años cruciales de la tecnología que los videojuegos y su música “robótica”, lograron insertarse en la consola de nuestras vidas, con un juego muy largo llamado nostalgia.

Así, con Mario Bros, Zelda, Castlevania, Donkey Kong, Metroid, Sonic, Final Fantasy, Top Gear, y muchos otros juegos que llegaban cada Navidad y cumpleaños, crecieron los niños de los ochenta y noventa, entre ellos, algunos que terminarían dedicándose a la música, dejando marcada la huella de su juventud en sus creaciones adultas.

Entre ellos podemos contar a los que usaron partes de una canción de algún videojuego para sus canciones, como Drake, Muse y Fatboy Slim, y los que habiendo desarrollado un estilo musical propio, fueron encomendados con la tarea de hacer música original para un juego, como es el caso de Trent Reznor de Nine Inch Nails y su música de ambientación para Quake en 1996.

Las computadoras son instrumentos musicales

Ya entrados los 90 y con la bendición tecnológica de los CDs, el mundo de los videojuegos finalmente se abrió a la música de alta calidad como la entendemos hoy. Ya no hizo falta inventarse malabares para hacer sonar un par de notas. Composiciones enteras de música grabada en estudio podían ahora ser diseñadas para acompañar la historia de un juego. A partir de ahí, los compositores entendieron que una computadora también puede ser un instrumento musical.

Todas las historias tienen música

Con ese nuevo entendimiento de la tecnología en función de la creatividad, los músicos y diseñadores de juegos, sentaron las bases de cómo debía funcionar la música de videojuegos.

El principio básico fue seguir la narrativa, como en las películas, donde la ambientación que amplifica la emoción, es siempre la música. El cuchillo, la mujer y la ducha en la película Psycho, necesitaban ese sonido dramático, asimismo, una escena en la que se descubre una ciudad perdida en el Amazonas, tiene su música. Una serpiente que se acerca lentamente a un personaje, lleva una música que anticipa la tragedia.

Está bien seguir la narrativa, ¿pero qué pasa cuando la historia no se desarrolla siguiendo exactamente el guión ni tiene una duración determinada? Ahí se hace más compleja la tarea, porque en un videojuego es el mismo jugador quien protagoniza y determina el ritmo de la historia. Hace falta entonces, crear piezas musicales asignables a cualquier decisión que tome la persona con el control, debe poder repetirse sin cansar, debe representar adecuadamente el momento en el que estés, y más importante aún, debe lograr un poco de manipulación mental.

Música que te controla el cerebro

En los videojuegos actuales, la música agrega un elemento sicológico, porque induce una conducta y evoca emociones, en otras palabras, te dice lo que tienes que hacer y cómo tienes que sentirte.

Si estás a punto de entrar a un castillo abandonado en un juego de zombies y vampiros, la música te hará saber que el terror se acerca y más vale que estés preparado. Te predispone y al mismo tiempo te prepara, te da la indicación de que debes hacer una acción puntual, pero sin darte órdenes concretas, así te quedas con la sensación de que fuiste tú quien tomó la decisión y no fue una idea implantada por el juego, en este caso, la acción es revisar tus municiones, cargar tus armas y tomar lo que sea que mejore la salud de tu personaje, porque en la siguiente escena vas a enfrentar tus peores temores, y cuando estés ahí, también habrá música para darte indicaciones subconscientes.

La alegría de haber ganado, la decepción de haber perdido, el sentido de culpa por haber causado un desastre. Todas las emociones están en la música aunque no lo entendamos racionalmente de esa manera, porque su propósito es llevarte a la acción sin distraerte de ella mientras se pierde en el fondo.


Como bonus, aquí unos ejemplos de música de videojuegos reutilizada en canciones de distintos artistas.

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Published by Leon Bernard

Busco el equilibrio en la creación, poniendo en la balanza el pensamiento estratégico y la libertad para producir música y escribir historias.

2 thoughts on “Videojuegos. La música que desaparece.

  1. Hay que checar la musica de Mario Galaxy, es la locura, sin embargo la melodia que resuena en mi cabeza cuando pienso en mi musica favorita de video juegos es sin lugar a dudas el track de Top Gear.

    La melodia es muy energica y bastante acorde a la situación del juego. No creo que se quedo conmigo por estas razones mas que por la sencillez y la constante repetición en los momentos mas estresantes y claro ese sutil “fade out” cuando acabas la carrera en primer lugar después de muchos intentos fallidos.

    Estare esperando el episodio de la musica en los comerciales de radio y televisión, tv shows y peliculas. Hay tanto que hablr que se puede hacer post individuales por peliculas y hasta generos.

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